Галерея цифровых картин выполненных по мотивам известных художников
Картины, размещенные в этом разделе, оформлены также, как в предыдущем разделе. Под ними стоит моя подпись, так как они значительно отличаются от оригиналов, которые для сравнения также здесь приводятся. Рядом с моей подписью указано имя художника, который является создателем оригинальной картины. Сейчас в этом разделе представлены картины, написанные по мотивам художников авангардистов. Это российские художники Василий Кандинский, Казимир Малевич и Иван Клюн, американский художник Марк Ротко, японская художница Яёи Кусама и израильский художник Яков Агам.
Оригинальные картины художников расположены на приводимых фото слева, мои – справа.
Для сведения посетителей сайта приведены также краткие биографии этих художников. Более подробные сведения о них можно найти в интернете.
Оригинальные картины художников расположены на приводимых фото слева, мои – справа.
Для сведения посетителей сайта приведены также краткие биографии этих художников. Более подробные сведения о них можно найти в интернете.
Василий Кандинский
Русский художник и теоретик изобразительного искусства, стоявший у истоков абстракционизма.
Родился в 1866 году в семье коммерсанта Василия Сильвестровича Кандинского - представителя старинного кяхтинского рода Кандинских. В детские годы путешествовал с родителями по странам Европы и по России. В 1871 году семья осела в Одессе. Здесь Василий Кандинский окончил гимназию. В 1885—1893 гг. на кафедре политической экономии и статистики Московского университета. В августе 1892 года он окончил университетский курс с дипломом первой степени и был оставлен на два года для «подготовки к профессорскому званию и написанию диссертации».
Родился в 1866 году в семье коммерсанта Василия Сильвестровича Кандинского - представителя старинного кяхтинского рода Кандинских. В детские годы путешествовал с родителями по странам Европы и по России. В 1871 году семья осела в Одессе. Здесь Василий Кандинский окончил гимназию. В 1885—1893 гг. на кафедре политической экономии и статистики Московского университета. В августе 1892 года он окончил университетский курс с дипломом первой степени и был оставлен на два года для «подготовки к профессорскому званию и написанию диссертации».
Карьеру художника выбрал сравнительно поздно — в возрасте 30 лет. Во многом это произошло под влиянием выставки импрессионистов, прошедшей в Москве в 1896 году. В 1896 году отказался от предложенного Дерптским университетом места приват-доцента и уехал в Мюнхен, чтобы учиться живописи. С 1897 года обучался живописи в частной студии, однако два года, проведённые там, не принесли ему удовлетворения. Там Кандинский также не слишком преуспевал и вообще талантами не блистал.
В 1898 году участвовал в выставках одесского Товарищества южнорусских художников. В 1900 году поступил в Мюнхенскую академию художеств. В 1901 году создал художественное объединение «Фаланга», организовал при нём школу, в которой преподавал. В 1910 и 1912 годах также участвовал в выставках художественного объединения «Бубновый валет». В эти годы он вырабатывает новаторскую концепцию «ритмического» использования цвета в живописи.
В 1911 году пишет знаменитый трактат «О духовном в искусстве», переходит от фигуративной живописи к чистой абстракции.
После революции 1917 года активно занимался общественной работой: участвовал в организации охраны памятников, создании Музея живописной культуры и Российской академии художественных наук (РАХН). В декабре 1921 года выехал для организации отделения РАХН в Берлин. Участвовал в Первой выставке русского искусства в Германии. В Берлине начал преподавать живопись, а с лета 1922 года работал в «Баухаусе», став видным теоретиком школы.
В межвоенный период получил всемирное признание как один из лидеров абстрактного искусства. В 1928 году художник принял немецкое гражданство, но когда в 1933 году к власти пришли нацисты и закрыли «Баухаус», эмигрировал в Париж. В 1939 году принял французское гражданство. Умер 13 декабря 1944 года в парижском пригороде Нёйи-сюр-Сен. Похоронен на Новом кладбище Нёйи, под Парижем.
С 1946 по 1961 год по инициативе вдовы художника в Париже вручалась премия Кандинского (В РФ возрождена в 2007 году, как ежегодная национальная премия в области современного искусства). В 1976 году Нина Кандинская опубликовала книгу воспоминаний «Кандинский и я». Множество работ художника она завещала парижскому центру Помпиду. В 2017...2020 гг. на международных аукционах картины Кандинского продавались по цене в несколько десятков млн долларов.
В 1898 году участвовал в выставках одесского Товарищества южнорусских художников. В 1900 году поступил в Мюнхенскую академию художеств. В 1901 году создал художественное объединение «Фаланга», организовал при нём школу, в которой преподавал. В 1910 и 1912 годах также участвовал в выставках художественного объединения «Бубновый валет». В эти годы он вырабатывает новаторскую концепцию «ритмического» использования цвета в живописи.
В 1911 году пишет знаменитый трактат «О духовном в искусстве», переходит от фигуративной живописи к чистой абстракции.
После революции 1917 года активно занимался общественной работой: участвовал в организации охраны памятников, создании Музея живописной культуры и Российской академии художественных наук (РАХН). В декабре 1921 года выехал для организации отделения РАХН в Берлин. Участвовал в Первой выставке русского искусства в Германии. В Берлине начал преподавать живопись, а с лета 1922 года работал в «Баухаусе», став видным теоретиком школы.
В межвоенный период получил всемирное признание как один из лидеров абстрактного искусства. В 1928 году художник принял немецкое гражданство, но когда в 1933 году к власти пришли нацисты и закрыли «Баухаус», эмигрировал в Париж. В 1939 году принял французское гражданство. Умер 13 декабря 1944 года в парижском пригороде Нёйи-сюр-Сен. Похоронен на Новом кладбище Нёйи, под Парижем.
С 1946 по 1961 год по инициативе вдовы художника в Париже вручалась премия Кандинского (В РФ возрождена в 2007 году, как ежегодная национальная премия в области современного искусства). В 1976 году Нина Кандинская опубликовала книгу воспоминаний «Кандинский и я». Множество работ художника она завещала парижскому центру Помпиду. В 2017...2020 гг. на международных аукционах картины Кандинского продавались по цене в несколько десятков млн долларов.
Казимир Малевич
В мире не так много художников, чья фамилия сразу приходит на ум после произношения названия стиля «супрематизм». Это одно из направлений кубизма. Его и придумал великий художник Казимир Малевич на фоне европейской войны увлечения футуризмом и кубизмом. Творец, которого как минимум три страны сегодня считают своим, а его картины находятся в музеях различных стран мира.
Казимир Северинович родился в польской семье в Киеве в 1879 году. Семья была знатного рода, из бывших шляхтичей, получивших дворянство в России. Когда Казимиру исполнилось 15 лет, семья переехала в Конотоп. Тут он нарисовал свою первую картину: «Лунная ночь». Друзья посчитали, что она представляет материальную ценность.
Казимир Северинович родился в польской семье в Киеве в 1879 году. Семья была знатного рода, из бывших шляхтичей, получивших дворянство в России. Когда Казимиру исполнилось 15 лет, семья переехала в Конотоп. Тут он нарисовал свою первую картину: «Лунная ночь». Друзья посчитали, что она представляет материальную ценность.
Родители видели талант сына и поддержали его стремление пойти в художественную школу. В 1895 году семья вернулась в Киев. Именно там Казимир Малевич пошел учиться в Художественную школу. У своего учителя, знаменитого художника Пимоненко, считался одним из самых талантливых учеников. Но в 1896 году состоялся очередной переезд: на этот раз в Курск. При переезде в Курск Казимир, как старший сын, которому уже исполнилось 18, решил идти работать. Свой талант к рисованию он использовал на железной дороге, где работал чертежником. Вскоре влюбился, а в 1899 году взял в жены полячку Казимиру Зглейц.
Несмотря на все семейные и рабочие дела, Казимир Малевич не бросал свою мечту стать художником. С 1905 года он предпринимает две попытки поступить в Московское художественное училище, но не проходит отбор. Возвращается в Курск снова на железную дорогу, но в 1907 году мать Казимира открывает в Москве собственную столовую. Так семья Малевича принимает решение о переезде.
Из-за постоянных неудачных попыток поступления в семье Малевича начались конфликты. Вскоре жена уехала, оставив двух детей. С 1908 года начался процесс развода. Срочный юридическое прекращение отношений нужны были Малевичу для того, чтобы оформить брак с новой женщиной. В 1909 году он вновь женился – на Софии Рафалович. С новой женой он поселяется в Немчиновке, имении ее отца, в Московской губернии.
После того, как в 1909 году стабилизировалась личная жизнь, Малевич все чаще стал посещать различные творческие кружки. С 1911 участвует в выставках, а также работает иллюстратором в журналах. Позже он еще и работал декоратором в театре, а также иллюстрировал книги и учебники. Однажды, выходя с работы, он увидел мальчика с огромным черным рюкзаком, полностью скрывавшим владельца. Он был огромен, но при этом имел идеальную форму квадрата. Так у Малевича родилась идея его самой известной картины. «Черный квадрат» Малевич нарисовал в 1915 году и впервые выставил его в Санкт-Петербурге (Петрограде). В 1917 году Казимира включили в союз живописцев Москвы, хотя он так и не получил профессионального художественного образования.
Несмотря на все семейные и рабочие дела, Казимир Малевич не бросал свою мечту стать художником. С 1905 года он предпринимает две попытки поступить в Московское художественное училище, но не проходит отбор. Возвращается в Курск снова на железную дорогу, но в 1907 году мать Казимира открывает в Москве собственную столовую. Так семья Малевича принимает решение о переезде.
Из-за постоянных неудачных попыток поступления в семье Малевича начались конфликты. Вскоре жена уехала, оставив двух детей. С 1908 года начался процесс развода. Срочный юридическое прекращение отношений нужны были Малевичу для того, чтобы оформить брак с новой женщиной. В 1909 году он вновь женился – на Софии Рафалович. С новой женой он поселяется в Немчиновке, имении ее отца, в Московской губернии.
После того, как в 1909 году стабилизировалась личная жизнь, Малевич все чаще стал посещать различные творческие кружки. С 1911 участвует в выставках, а также работает иллюстратором в журналах. Позже он еще и работал декоратором в театре, а также иллюстрировал книги и учебники. Однажды, выходя с работы, он увидел мальчика с огромным черным рюкзаком, полностью скрывавшим владельца. Он был огромен, но при этом имел идеальную форму квадрата. Так у Малевича родилась идея его самой известной картины. «Черный квадрат» Малевич нарисовал в 1915 году и впервые выставил его в Санкт-Петербурге (Петрограде). В 1917 году Казимира включили в союз живописцев Москвы, хотя он так и не получил профессионального художественного образования.
Иван Клюн
Живописец, скульптор, педагог, теоретик искусства. Один из верных последователей Малевича и супрематизма. Родился в крестьянской семье, отец Василий Семёнович Клюнков был плотником. В 1881 семья переезжает на Украину в Каменку Каменец-Подольской губернии, где отец поступает на службу на сахарный завод. Сын учится в реальном училище в Могилёве-Подольском.
В 1895 году он переезжает в Москву и поступает на службу сначала в правление Московско-Киевско-Воронежской железной дороги, а в 1902 – в контору текстильного предприятия (в должности счетовода, а затем бухгалтера). Одновременно продолжает самостоятельно заниматься рисованием, пишет пейзажи с натуры. В начале 1900-х посещает Студию живописи и рисунка.
В 1895 году он переезжает в Москву и поступает на службу сначала в правление Московско-Киевско-Воронежской железной дороги, а в 1902 – в контору текстильного предприятия (в должности счетовода, а затем бухгалтера). Одновременно продолжает самостоятельно заниматься рисованием, пишет пейзажи с натуры. В начале 1900-х посещает Студию живописи и рисунка.
С 1903 по 1907 учится в Художественном училище Ф.И. Рерберга, где знакомится с Казимиром Малевичем. Именно тогда возникает дружба Малевича и Клюна. В 1911 году Клюн – один из учредителей «Московского салона» и участник выставок общества. С 1912 года Клюн – участник всех авангардных выставок. Он начинает подписывать свои картины псевдонимом «И. Клюн».
В 1915 участвует в «Первой футуристической выставке. Следуя Малевичу, работает в стиле кубофутуризма, но старается изобрести собственный вариант стиля, что ему блестяще удаётся. В 1916–1917 он делает несколько десятков супрематических композиций «Супрематизм». После революции Клюн активно включается в общественную художественную жизнь и участвует в оформлении Москвы к новым праздникам. В 1921 году начинает преподавательскую деятельность и ведёт «дисциплину цвета». По совместительству заведует керамической мастерской. В 1919 участвует в государственных выставках «Беспредметное творчество и супрематизм» в Москве, где экспонирует шестьдесят два произведения под общим названием «Искусство цвета», в числе которых – супрематическая живопись и графика, а также беспредметная скульптура.
В 1921 году избирается членом-корреспондентом Государственной академии художественных наук, вступает в общество «Мир искусства», а в 1922 году принимает участие в Первой русской художественной выставке в Берлине. В начале 1920-х Клюн уходит от супрематизма и создаёт сферические композиции, в которых геометризм сменяется плавным перетеканием форм. Бухгалтерскую службу продолжает совмещать с аналитической работой над цветом и формой.
В середине 1920-х создает свой стиль, который называет «конструктивным реализмом», продолжает в нём работать до середины 1930-х и экспонирует свои работы по «светоцветовому принципу». Участвует в выставке общества «4 искусства» (1926) и выставляет беспредметную конструкцию «Электрификация» на второй выставке общества (за что подвергается жёсткой критике). В 1928 году выходит теоретическая статья Клюна «Кубизм как живописный метод». В 1928–1930 он оформляет и иллюстрирует ряд выпусков «Неизданного Хлебникова». Продолжает свои исследования в области теории искусства. Принимает участие в выставках «Художники РСФСР за 15 лет».
Представленные на выставках в 1933–1934 гг. работы Клюна подвергаются жесткой критике за формализм. На диспуте «О реализме и натурализме в искусстве» в 1934 году заявляет о своём переходе на позиции соцреализма. Однако в этом стиле он не работает, напротив, в его творчестве 1930-х появляются композиции, отражающие явное воздействие сюрреализма.
В 1915 участвует в «Первой футуристической выставке. Следуя Малевичу, работает в стиле кубофутуризма, но старается изобрести собственный вариант стиля, что ему блестяще удаётся. В 1916–1917 он делает несколько десятков супрематических композиций «Супрематизм». После революции Клюн активно включается в общественную художественную жизнь и участвует в оформлении Москвы к новым праздникам. В 1921 году начинает преподавательскую деятельность и ведёт «дисциплину цвета». По совместительству заведует керамической мастерской. В 1919 участвует в государственных выставках «Беспредметное творчество и супрематизм» в Москве, где экспонирует шестьдесят два произведения под общим названием «Искусство цвета», в числе которых – супрематическая живопись и графика, а также беспредметная скульптура.
В 1921 году избирается членом-корреспондентом Государственной академии художественных наук, вступает в общество «Мир искусства», а в 1922 году принимает участие в Первой русской художественной выставке в Берлине. В начале 1920-х Клюн уходит от супрематизма и создаёт сферические композиции, в которых геометризм сменяется плавным перетеканием форм. Бухгалтерскую службу продолжает совмещать с аналитической работой над цветом и формой.
В середине 1920-х создает свой стиль, который называет «конструктивным реализмом», продолжает в нём работать до середины 1930-х и экспонирует свои работы по «светоцветовому принципу». Участвует в выставке общества «4 искусства» (1926) и выставляет беспредметную конструкцию «Электрификация» на второй выставке общества (за что подвергается жёсткой критике). В 1928 году выходит теоретическая статья Клюна «Кубизм как живописный метод». В 1928–1930 он оформляет и иллюстрирует ряд выпусков «Неизданного Хлебникова». Продолжает свои исследования в области теории искусства. Принимает участие в выставках «Художники РСФСР за 15 лет».
Представленные на выставках в 1933–1934 гг. работы Клюна подвергаются жесткой критике за формализм. На диспуте «О реализме и натурализме в искусстве» в 1934 году заявляет о своём переходе на позиции соцреализма. Однако в этом стиле он не работает, напротив, в его творчестве 1930-х появляются композиции, отражающие явное воздействие сюрреализма.
Марк Ротко
Американский художник XX века из русской семьи, прославившийся как живописец цветового поля. Марк Ротко (имя при рождении — Маркус Роткович) за почти 50 лет творческой деятельности писал картины в разных стилях, однако в результате исканий и под воздействием событий, происходивших в мире при его жизни, создал свой уникальный почерк. Сегодня Ротко считают одним из виднейших представителей абстрактного экспрессионизма.
Марк Ротко родился в Двинске (ныне — Даугавпилс) в 1903 году. Его родителями были русские евреи. Отец Маркуса, Яков, был аптекарем. Как образованный человек, он стремился дать детям лучшее образование, уделяя при этом особое внимание экономике и политике.
Марк Ротко родился в Двинске (ныне — Даугавпилс) в 1903 году. Его родителями были русские евреи. Отец Маркуса, Яков, был аптекарем. Как образованный человек, он стремился дать детям лучшее образование, уделяя при этом особое внимание экономике и политике.
Марк Ротко в 1913 году вместе с отцом переехал в США. Решение о переезде принял его отец — он боялся, что сына заберут в царскую армию. Чуть позже переехали мать и сестра Маркуса. Семейство воссоединилось, но единство длилось недолго — через несколько месяцев отец Маркуса умер от рака. Этот удар, несомненно, оказал влияние на чувствительную натуру будущего художника, что отразилось в его произведениях.
Учёба в школе давалась Маркусу легко — помогла интеллектуальная подготовка, которую ему обеспечил отец. Окончив школу с почестями, он получил грант в Йельский университет. Поступив туда в 1921 году, будущий художник изучал естественные и точные науки, философию, экономику и социологию. Через год деньги, полученные в рамках гранта, закончились — а с этим начались и бесчисленные мытарства студента. Этот период, впрочем, длился недолго — в 1923 году Маркус бросил учёбу.
Навестив своего друга в Лиге художников Нью-Йорка, Ротко застал того за созданием картины с натуры. Для Маркуса это стало толчком — так началось его становление в качестве художника. Молодой Роткович писал картины в разных стилях, сначала — в реалистичном духе, немного позже (в 40-х годах прошлого века) - в стиле европейского сюрреализма. На создание многих из его картин художника вдохновили античные мифы.
В 1940 году Маркус Роткович, опасаясь антисемитских настроений, которые царили в то время, перестраховался и сменил своё имя на более короткое — Марк Ротко. 1947 год стал знаковым в судьбе художника — он нашёл собственный стиль. Ротко полностью отказался от изображения деталей окружающей жизни «как есть» и начал творить в стиле абстрактного экспрессионизма. В 50-х и 60-х годах XX века Марк Ротко декорировал известные здания. В 1961 году состоялась персональная выставка художника, которую организовал Нью-Йоркский музей современного искусства. В 1964 году Ротко полностью отказался от естественного освещения в своей студии, и с тех пор из-под его кисти выходили картины с угнетающими оттенками — серыми, фиолетовыми, коричневыми. Ротко дважды женился: в первый раз — на дизайнере ювелирных изделий Эдит Сахар (Edith Sachar), во второй — на протестантке из среднего класса Мэри Бэйстл (Mary Alice Beistle), которая была моложе его на 19 лет. От двух браков у художника родились двое детей — дочь и сын.
Марк Ротко был подвержен депресии и, увы, не смог ее преодолеть. 25 февраля 1970 года его ассистент, придя в мрачную студию художника, обнаружил Ротко мёртвым - Марк перерезал себе вены. Художника похоронили на кладбище East Marion, что в штате Нью-Йорк. Одна из самых известных картин Ротко — «Оранжевое, красное, жёлтое» (выше в первом ряду приведено фото этой картины). Художник написал её за 10 лет до смерти — в период своего расцвета. Картина проделала путь через несколько галерей Нового и Старого света, а в мае 2012 года её продали на аукционе Christie's за гигантскую сумму — 86,9 миллионов долларов. Критики до сих пор спорят, насколько обоснованной и справедливой была эта цена. Судьба Марка Ротко никого не оставляет равнодушным — и тем сильнее интерес к картинам, исполненным в абстрактном стиле.
Учёба в школе давалась Маркусу легко — помогла интеллектуальная подготовка, которую ему обеспечил отец. Окончив школу с почестями, он получил грант в Йельский университет. Поступив туда в 1921 году, будущий художник изучал естественные и точные науки, философию, экономику и социологию. Через год деньги, полученные в рамках гранта, закончились — а с этим начались и бесчисленные мытарства студента. Этот период, впрочем, длился недолго — в 1923 году Маркус бросил учёбу.
Навестив своего друга в Лиге художников Нью-Йорка, Ротко застал того за созданием картины с натуры. Для Маркуса это стало толчком — так началось его становление в качестве художника. Молодой Роткович писал картины в разных стилях, сначала — в реалистичном духе, немного позже (в 40-х годах прошлого века) - в стиле европейского сюрреализма. На создание многих из его картин художника вдохновили античные мифы.
В 1940 году Маркус Роткович, опасаясь антисемитских настроений, которые царили в то время, перестраховался и сменил своё имя на более короткое — Марк Ротко. 1947 год стал знаковым в судьбе художника — он нашёл собственный стиль. Ротко полностью отказался от изображения деталей окружающей жизни «как есть» и начал творить в стиле абстрактного экспрессионизма. В 50-х и 60-х годах XX века Марк Ротко декорировал известные здания. В 1961 году состоялась персональная выставка художника, которую организовал Нью-Йоркский музей современного искусства. В 1964 году Ротко полностью отказался от естественного освещения в своей студии, и с тех пор из-под его кисти выходили картины с угнетающими оттенками — серыми, фиолетовыми, коричневыми. Ротко дважды женился: в первый раз — на дизайнере ювелирных изделий Эдит Сахар (Edith Sachar), во второй — на протестантке из среднего класса Мэри Бэйстл (Mary Alice Beistle), которая была моложе его на 19 лет. От двух браков у художника родились двое детей — дочь и сын.
Марк Ротко был подвержен депресии и, увы, не смог ее преодолеть. 25 февраля 1970 года его ассистент, придя в мрачную студию художника, обнаружил Ротко мёртвым - Марк перерезал себе вены. Художника похоронили на кладбище East Marion, что в штате Нью-Йорк. Одна из самых известных картин Ротко — «Оранжевое, красное, жёлтое» (выше в первом ряду приведено фото этой картины). Художник написал её за 10 лет до смерти — в период своего расцвета. Картина проделала путь через несколько галерей Нового и Старого света, а в мае 2012 года её продали на аукционе Christie's за гигантскую сумму — 86,9 миллионов долларов. Критики до сих пор спорят, насколько обоснованной и справедливой была эта цена. Судьба Марка Ротко никого не оставляет равнодушным — и тем сильнее интерес к картинам, исполненным в абстрактном стиле.
Яков Агам
Родился в Ришон Лезионе (Палестина) 11 мая 1928 в семье раввина, выходца из России. В
юные годы получил традиционное еврейское религиозное образование. Затем учился в Иерусалиме (1947–1948), в художественных училищах Цюриха (1949–1951) и Парижа (1951).
С 1950-х годов Яков Агам выставлял сотни раз выставлял свои работы в самых важных музеях мира. Ставший в 1960–1970-е годы наиболее авторитетным мастером израильского арт-авангарда, Агам исполнил целый ряд престижных государственных и муниципальных заказов. Среди них – кинетическая композиция Тысяча ворот в саду президентского дворца в Иерусалиме (1972) и огромный музыкальный фонтан в парижском квартале Дефанс (1975). Его работы выставляются в крупных городах мира: в Нью-Йорке, Майами, Буэнос-Айресе, Токио, Париже и Чикаго, а также в Белом доме в Вашингтоне. А в Израиле - в резиденции президента, а также в музее Израиля и в музее Тель-Авива.
юные годы получил традиционное еврейское религиозное образование. Затем учился в Иерусалиме (1947–1948), в художественных училищах Цюриха (1949–1951) и Парижа (1951).
С 1950-х годов Яков Агам выставлял сотни раз выставлял свои работы в самых важных музеях мира. Ставший в 1960–1970-е годы наиболее авторитетным мастером израильского арт-авангарда, Агам исполнил целый ряд престижных государственных и муниципальных заказов. Среди них – кинетическая композиция Тысяча ворот в саду президентского дворца в Иерусалиме (1972) и огромный музыкальный фонтан в парижском квартале Дефанс (1975). Его работы выставляются в крупных городах мира: в Нью-Йорке, Майами, Буэнос-Айресе, Токио, Париже и Чикаго, а также в Белом доме в Вашингтоне. А в Израиле - в резиденции президента, а также в музее Израиля и в музее Тель-Авива.
Яков Агам – один из основателей школы кинетического искусства, фигура мирового значения, создавший уникальный и совершенно новый язык в изобразительном искусстве. Новое, стать для себя «первооткрывателем» художественного произведения.
В Ришон Лезионе в 2020 году он создал Музей, целиком посвященный своему творчеству. Его рельефные, веерообразные полотна, позволяют зрителю постоянно открывать для себя при изменении своей позиции в этих работах что-то.
В Ришон Лезионе в 2020 году он создал Музей, целиком посвященный своему творчеству. Его рельефные, веерообразные полотна, позволяют зрителю постоянно открывать для себя при изменении своей позиции в этих работах что-то.
Яёи Кусама
Родилась 22 марта 1929 года в городе Мацумото в Японии. С 10 лет она страдала галлюцинациями и навязчивыми мыслями, которые сопровождались вспышками света, полями цветов, точками и тыквами, говорящими с ней. По совету психиатра она начала рисовать. Родители Кусамы не одобряли её желание стать художницей, но разрешили ей переехать в Киото.
В 19 лет она поступила в Киотскую городскую школу искусств и ремесел, чтобы изучать традиционный японский стиль живописи. Там она проучилась год, а затем увлеклась экспериментами с абстракцией. В то время в Нью-Йорке набирал обороты абстракционизм. Яёи стремилась к признанию и в 19 лет (в 1958 году) переехала в США. Через год после переезда она провела свои первые персональные выставки в Нью-Йорке, в галерее Brata, и в Бостоне, в галерее Nova. На обеих выставках она дебютировала с серией картин, которые
впоследствии станут известны как «Бесконечные сети». Критики высоко оценили эти работы и дали положительные отзывы о творчестве Яёи Кусамы в многочисленных изданиях.
Яёи Кусама прожила в Нью-Йорке с 1958 по 1973 год. В Америке она добилась успеха, но в 1970-х годах художница была вынуждена вернуться в Японию, чтобы решить проблемы с психическим здоровьем.
После возвращения Яёи долгое время оставалась относительно малоизвестной. Только в 1993 году, через 20 лет после возвращения на родину, её снова увидели на публике на открытии Венецианской биеннале. Её проект — ослепительная зеркальная комната, наполненная скульптурами тыкв и похожая на искусную тыквенную грядку, имела большой успех. В 1994 году, в возрасте 65 лет Яёи создала массивную тыквенную инсталляцию, состоящую из огромной жёлтой скульптуры с чёрными точечными узорами, которая была установлена на японском острове Наосима.
Несмотря на то, что художница страдает психическими расстройствами и добровольно живёт в психиатрической клинике в Японии, это совершенно не мешает ей продолжать работать и сотрудничать с известными брендами. Яёи Кусама делает коллаборации с модными домами и дизайнерскими компаниями, создавая для них уникальные, узнаваемые и очень дорогие вещи. В 2012 году художница покрыла ярким горошком коллекцию для Louis Vuitton — платья и топы, сумки и очки, туфли и шарфы. В 2017 году она открыла Музей Яёи Кусамы в токийском районе Синдзюку.
впоследствии станут известны как «Бесконечные сети». Критики высоко оценили эти работы и дали положительные отзывы о творчестве Яёи Кусамы в многочисленных изданиях.
Яёи Кусама прожила в Нью-Йорке с 1958 по 1973 год. В Америке она добилась успеха, но в 1970-х годах художница была вынуждена вернуться в Японию, чтобы решить проблемы с психическим здоровьем.
После возвращения Яёи долгое время оставалась относительно малоизвестной. Только в 1993 году, через 20 лет после возвращения на родину, её снова увидели на публике на открытии Венецианской биеннале. Её проект — ослепительная зеркальная комната, наполненная скульптурами тыкв и похожая на искусную тыквенную грядку, имела большой успех. В 1994 году, в возрасте 65 лет Яёи создала массивную тыквенную инсталляцию, состоящую из огромной жёлтой скульптуры с чёрными точечными узорами, которая была установлена на японском острове Наосима.
Несмотря на то, что художница страдает психическими расстройствами и добровольно живёт в психиатрической клинике в Японии, это совершенно не мешает ей продолжать работать и сотрудничать с известными брендами. Яёи Кусама делает коллаборации с модными домами и дизайнерскими компаниями, создавая для них уникальные, узнаваемые и очень дорогие вещи. В 2012 году художница покрыла ярким горошком коллекцию для Louis Vuitton — платья и топы, сумки и очки, туфли и шарфы. В 2017 году она открыла Музей Яёи Кусамы в токийском районе Синдзюку.
